Rembrandt a gravé près de trois cents estampes tout au long de sa carrière, de 1628, première

date figurant sur certaines de ses eaux-fortes, jusqu'à 1665. Pour commémorer le quatrième

centenaire de la naissance de l'artiste, la Bibliothèque nationale de France, la Biblioteca

Nacional de España et la Fundació Caixa Catalunya ont choisi d'exposer cent quarante-cinq

estampes, parmi lesquels ses clairs-obscurs en plusieurs états d'une lecture captivante.

En commençant à graver dès vingt ans, Rembrandt traite des thèmes courants

au XVII^e siècle :

autoportraits et portraits, sujets bibliques, mythologiques, allégoriques, représentation de

gueux et scènes de genre, nus, paysages... mais déjà l'originalité de la composition, du

graphisme, la signification et le symbolisme qui en découlent différencient ses oeuvres de la

production de l'époque.

Rembrandt use des possibilités de modifications successives de l'image qu'offre l'estampe,

les états, pour traduire l'évolution d'une situation, le déroulement d'un événement, le changement

d'une expression, les variations atmosphériques. Cette continuité fait participer

spirituellement l'amateur, le spectateur, à la tragédie de la Crucifixion durant plusieurs

heures, au cheminement de fugitifs et au partage de leur angoisse tout au long d'une nuit, à

la découverte dans l'obscurité d'une famille épuisée, à la lassitude de plus en plus pesante

d'une femme, à l'atmosphère variable d'un lieu, à la course du Soleil. Plus symboliquement, il

suggère, dans l' Ecce-Homo , par le graphisme et le modelé le passage de l'immatérialité divine du

Christ à son incarnation, ou encore, dans La Mise au tombeau , sa mort et sa résurrection par la

lumière qui disparaît de son corps et y revient peu à peu. Mais il y a aussi des estampes qu'un

seul état suffit à singulariser, comme Jésus apparaissant à ses disciples.

Conduite par une plume brillante et une érudition inspirée, Gisèle Lambert scrute avec

passion cette création prodigieuse, au-delà du réel, qui effleure le surnaturel. Elle évoque

Rembrandt dans son atelier, au travail, tel qu'il s'est représenté, dessinant d'après le modèle.

Elle le devine «impatient lorsqu'il prend un cuivre, le ponce, le polit et, négligeant les bords

irréguliers qu'il faudrait biseauter, quelques légères rayures, parfois même quelque esquisse

d'une composition abandonnée...» Elena Santiago Páez, quant à elle, analyse avec minutie

l'élaboration de certains de ces chefs-d'oeuvre.

L'artiste aura pressenti l'art futur, le romantisme, l'impressionnisme, l'expressionnisme,

le cubisme, et même les instantanés photographiques, le zoom de l'objectif photographique,

le champ de vision de la caméra... comme si l'oeuvre était toujours en cours de création, n'étant

jamais immuable.

Picasso, Goya, Delacroix, Degas, Whistler, Ensor et tant d'autres ont puisé leur inspiration et

enrichi leur imaginaire dans son oeuvre, tandis que les interprétations de cette production sont

diverses et souvent controversées, tant la personnalité et la sensibilité de chacun y participent.