Nietzsche ne s'y est pas trompé : «Toujours le créateur s'est trouvé en

désavantage vis-à-vis de celui qui ne faisait que regarder sans mettre lui-même

la main à la pâte.»

Triste privilège de la peinture : les philosophes énoncent des propositions

sur la technique picturale et l'histoire de cet art indépendamment de tout

critère empirique de validité, sans mobiliser aucune connaissance ni expérience,

à l'encontre des philosophes qui, écrivant sur la musique - Nietzsche,

Schopenhauer, Adorno ou Jankélévitch -, s'appuient toujours sur un

savoir et sur un savoir-faire. Pourquoi la peinture, objet d'un discours

philosophique sans objet, autorise-t-elle les interprétations sans contrôle,

les analyses purement auto référentielles ?

Jacqueline Lichtenstein date du coup de force théorique de Kant, posant

la double autonomie du jugement de goût par rapport au jugement de

connaissance et de la théorie esthétique par rapport à la pratique artistique,

la plupart des impasses philosophiques de l'esthétique.

En regard, elle restitue, à partir de l'étude des conférences de l'Académie

royale de peinture et de sculpture de 1667 à 1793, l'importance de l'analyse

artistique - l'explication de l'oeuvre, chose mentale et matérielle tout à la

fois, par les peintres. Ils y puisaient l'occasion de soulever un problème

précis touchant à l'une des «difficultés» rencontrées - le sujet et la correction

du dessin ; la répartition des lumières ; les libertés que le peintre peut

prendre par rapport à l'histoire ; l'expression des passions.

Dans ce qu'on appelle philosophie de l'art, écrivait Friedrich Schlegel,

il manque habituellement l'une ou l'autre : ou bien la philosophie, ou

bien l'art. S'il fallait choisir, Jacqueline Lichtenstein soutiendrait sans

doute aucun l'art contre la philosophie. Ou plutôt contre une certaine

philosophie.